unidad 3

bueno, en esta unidad les voy a enseñar una de las cosas mas esenciales pero un poco difícil de aprender, van a aprender lo básico de leer partitura.

-HISTORIA DEL PENTAGRAMA MUSICAL
Fue en el siglo X que comenzaron a usarse líneas para señalar con cierta exactitud la altura de los sonidos musicales. En un principio se usó una línea roja trazada sobre el texto escrito en el pergamino señalaba el sonido Fa y servía como referencia para los demás sonidos; luego, se añadió una segunda línea de color amarillo que representaba un DO. Finalmente, el monje benedictino Guido D ́Arezzo (995-1050) añadió otras dos líneas más creando el tetragrama o pauta de cuatro líneas (antecedente del pentagrama) que permitió representar con más precisión la altura de la notas, su duración y hasta cierta división en compases.
Hasta el siglo XIII, Ugolino de Forlí añadió una quinta línea y se creó el pentagrama definitivo, basado en los parámetros que ideó D’Arezzo. Sin embargo, éste fue aceptado en la mayor parte de Europa hasta avanzado el siglo XV.
De todos modos la notación para los signos musicales de la música cantada sacra siguió siendo en base a los llamados neumas y no en los signos que hoy reconocemos en una partitura.
La pauta de cuatro líneas se solía usar para música religiosa, y el pentagrama o pauta de cinco líneas,se comenzó a usar más para la música que llevaba alguna línea de acompañamiento instrumental, que en su mayor parte era profana, pues durante mucho tiempo imperó la música sacra polifónica a capella. Al principio la música instrumental era muy sencilla, de corte profano y sólo cuando fue evolucionando a formas más complejas, adoptó el pentagrama.
Ya en el siglo XVI, el pentagrama se impuso como pauta de uso común para toda clase de música.
Gracias a la aparición de la partitura se hizo posible "leer" la música, aligerar la memoria y facilitar el aprendizaje de los cantos; un gran progreso en la escritura musical.

 

 empecemos, como bien saben, el pentagrama consta de 5 lineas que de abajo hacia arriba son asi: mi, sol, si, re y fa; de igual manera también contamos con los espacios entre las lineas para la escritura musical y son 4 y se cuentan desde el espacio que esta sobre el mi, y son fa, la, do, mi.

aparte de las 5 lineas y los 4 espacios existen mas elementos de lectura en un pentagrama, que se llaman espacios y lineas complementarias y se ubican antes de la primera linea y sobre la linea.

espacios y lineas adicionales

después de ubicarnos bien en el pentagrama, y aprendernos todas sus lineas y espacios,vamos a aprender las unidades de medida musical, esto se usa para saber la duración y el valor de las notas a las que vamos a interpretar o leer.

siempre vamos a tener en cuenta que estas medidas se desprenden de otras o que una gran unidad de medida se divide en muchas, es decir, así:

de igual manera, estas figuras musicales tienen sus silencios, o pausas y miden el mismo valor de la figura que corresponden

ahora que ya saben esto y practicándolo mucho, ya podremos pasar a leer las figuras sobre el pentagrama; las figuras se ubican de tal manera que podamos leer las notas con nombre y duración. es decir, que si queremos (por ejemplo) una nota que sea un sol y que dure 2 tempos, procederemos a hacer una blanca en la segunda linea del pentagrama, y así sucesivamente. 

pero, antes de pasar a leer o componer, tenemos que tener en cuenta otro aspecto igual de importante a los anteriores, que es la métrica y esto se usa para que todos los compases queden nivelados a su nivel estructural y que todos midan lo mismo. (4 tiempo, 2 tiempos, 3 tiempos, etc) y esto se marca con una fracción al lado de la clave, por ejemplo 4/4, 2/4, 6/8, etc 

teniendo en cuenta todo lo anterior, voy a dejar vario ejemplos y unas actividades para reforzar su aprendizaje, les deseo suerte.

unidad 2

en esta unidad vamos a repasar un poco de la historia de la musica, esto es muy importate, por que gracias a todo lo que fue, podemos aprender, analizar, saber e interpretar grandes obras.

desde el 1600 hasta nuestros dias, la música ha pasado por 5 periodos históricos muy importantes para el arte en general, q son: 

- barroco

-clasicismo

-romanticismo

-siglo XX

- contemporaneidad (hoy en dia)

pero en esta unidad solo vamos a ver hasta el romanticismo.

-barroco.( 1630- 1750)

El término barroco se tomó de la arquitectura, donde designaba algo "retorcido", una construcción "pesada, elaborada, envuelta".

en la musica se trata de unas de las epocas mas largas. El siglo de XVII se construyó obviamente en la música del siglo precediendo, en eso consistió en primero perfeccionar lo que los amos del Renacimiento habían hecho, y entonces introdujo nuevas formas de música (ópera, oratoria, concierto, la sonata).

El primer país para considerar cuando examinando la historia de música barroca es Italia. Todas las nuevas formas se levantaron allí.

El deseo de imitar el coro griego llevó al concepto de ópera. Nació en Italia alrededor de 1600, y es una parte grande de la evolución del estilo vocal secular. Algunos compositores, como Caccini, empezaron a cambiar el papel de la voz para aumentar expresión personal y fidelidad al poeta, en tragedia así como la comedia.

En estos trabajos, los autores se anticiparon el futuro sorprendiendo usando los efectos armónicos. Ellos constituyen la frontera entre el Renacimiento y las eras Barrocas.

Monteverdi, aun cuando no el primero en componer una ópera, era ciertamente el amo que arregló ese género, sirviendo como la base para todos los compositores de la ópera subsecuentes. Entre 1607 y 1642, la evolución de este género se puso irreversible, y influiría en toda la música compuesta después. La expresión, el eslabón entre el texto y música, se pone al frente.

Tres Compositores del Barroco

Claudio Monteverdi(1567-1643). Compositor, cantor y violinista italiano que considerado el creador del drama musical. Sus óperas, madrigales y canzonettes aportaron nuevas posibilidades armónicas, mayor flexibilidad en la vida melódica y un mayor uso del cromatismo. Fue uno de los primeros en introducir la monodia. Es autor de Orfeo; el retorno de Ulíses y la Coronación de Popea. Fue maestro de la iglesia San Marcos, de Venecia.

Antonio, Vivaldi(1678-1741). Compositor y violinista italiano, unode los maestros italianos del periodo clasico del violín; influyó notablemente en la evolución del concierto de ese instrumento como ejecución para solista. Tuvo a su cargo el Conservatoriode la Pieta de Venecia. Es autor de sonatas para violín y para violonchelo, de unos 45 concerti grossi,de óperas y de música religiosa.

y su maximo exponente Johann Sebastian Bach(1685- 1750) fue un compositor, organista, clavecinista, violinista, violista, maestro de capilla y cantor alemán del periodo barroco, el miembro más importante de una de las familias de músicos más destacadas de la historia, con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados.

Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa por su gran técnica y capacidad de improvisar música al teclado. Además del órgano y del clavecín, tocaba el violín y la viola da gamba.

Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca; destaca en ella su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, además de la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su extensión. Bach es considerado el último gran maestro del arte del contrapunto, y fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos, desde Mozart pasando por Arnold Schönberg hasta el presente.

-clasicismo (1750-1800)

se impuso notablemente el clasicismo. La música clasicista es una música raciona, es decir, agradable y lejos de las complejidades barrocas. La música del clasicismo tenia como principales objetivos la claridad, el buen gusto, la proporción y la elegancia. En todo el tiempo que duro el clasicismo se distinguen notablemente tres músicos que vivieron en Viena y fueron los tres grandes del clasicismo; Haydn, Mozart y Beethoven.

Claridad melódica: Delante de la melodía barroca, que se desarrolla seguidamente hasta el final de la pieza, el clasicismo presenta frases melódicas cortas fácilmente reconocibles.

• Textura homofonica: Enfrente del contrapunto, que se considera pasado de moda y tan solo se utiliza esporádicamente, y el bajo continuo barroco, que desaparece, el clasicismo presenta texturas basadas en el acompañamiento harmónico, es decir mediante acordes y una melodía predominante.

• compositores importantes.

• Franz Joseph Haydn (1732-1809), compositor austriaco, una de las figuras más influyentes en el desarrollo de la música del clasicismo 

De origen humilde, nació el 31 de marzo de 1732 en Rohrau an der Keitha, cerca de Viena. Era el mayor de los dos músicos hijos de un fabricante de ruedas. Algunos suponen que era descendiente de croatas. Con ocho años entró en la escuela coral de la Catedral de San Esteban, en Viena, donde recibió su única formación académica. A los 17 años abandonó el coro y pasó varios años trabajando como músico independiente. Estudió los tratados de contrapunto y recibió algunas lecciones del prestigioso maestro de canto y compositor italiano Nicola Porpora. En 1755 trabajó para el barón Karl Josef von Fürnberg, época en que compuso sus primeros cuartetos para cuerda. En 1759 fue nombrado director musical del conde Fernando Maximilian von Morzin. El año 1760 contrajo matrimonio con Maria Anna Keller, unión que fracasó y de la que no hubo descendencia.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), fue un compositor y pianista austriaco, maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia.La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de su época e incluye más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras de la música sinfónica, concertante, de cámara, para piano,operística y coral, logrando una popularidad y difusión internacional.

-romanticismo (1820-1900)

El Romanticismo musical está relacionado con el Romanticismo, la corriente de cambios en Literatura, Bellas Artes y Filosofía, aunque suele haber ligeras diferencias temporales, dado que el Romanticismo en aquellas Artes y en la Filosofía se suele reconocer entre los años 1780 y 1840. El Romanticismo como movimiento global en las Artes y la Filosofía, tiene como precepto que la verdad no podía ser deducida a partir de axiomas, en el mundo había realidades inevitables que sólo se podía captar mediante la emoción, el sentimiento y la intuición. La música del Romanticismo intentaba expresar estas emociones.

La condición de músico experimenta cambios radicales respecto al siglo anterior, fruto de los agitados cambios sociales que se están produciendo. El músico pasa de estar al servicio de una corte a ser un profesional independiente. La nueva conciencia que adquiere el artista en esta nueva sociedad alcanza también a transformar la conciencia del músico, que se siente como un ser dotado de un don especial, de un halo místico. El patronazgo que la nobleza y la Iglesia tenía sobre el músico se traslada ahora al ámbito empresarial o al de las salas de conciertos. El músico compone ahora casi en toda su totalidad para la burguesía y para la clase media.

Este papel tiene mucho que ver con la visión que tiene ahora la sociedad de su producción. La música romántica deja de estar al servicio de la religión, en el mismo grado que deja de ser música de consumo o de entretenimiento de las clases nobles. Ahora, el arte tiene un sentido por sí misma, y la música es una de las más elevadas formas de expresión artística. Los compositores y los teóricos del arte, piensan que la música debe comprometer al hombre en su totalidad y, ya que luego, la condición del artista don puede ser otra que la libertad absoluta con respecto a cualquier vínculo moral y material. El músico compone a partir de ahora para él, para la eternidad, y ya no para ocasiones concretas. La música no necesitaba ser útil ni instructiva, sólo tenía que ser arte.

compositores importantes.

Berlioz, Héctor (1803-1869)Compositor romántico por excelencia, fue un destacado innovador del género sinfónico. Nació el 11 de diciembre de 1803 en Cóte-Saint-André, Francia, en pleno período napoleónico. Su padre era un médico de provincias que no confiaba en el futuro de su hijo como compositor. Fue un creador cuyo obstáculo fue la intransigencia de la mayoría de los músicos en casi todos los temas, desde su apoyo al uso del saxofón o a la nueva visión dramática de Wagner. Su vida fue excéntrica y apasionada. Ganó el Premio de Roma, el más importante de Francia en aquel momento, por una cantata hoy casi olvidada. Su obra musical es antecesora de estilos confirmados posteriormente. El compositor defendió sus postulados de música programática como columnista. Tuvo un éxito relativo en las principales capitales europeas donde estrenó su obra y una menor suerte en su propio país. También escribió un Tratado de Instrumentación que reeditó y corrigió Richard Strauss.

Chopin, Frédéríc (1810-1849)Compositor y pianista de origen polaco. Se lo considera uno de los creadores del romanticismo en la música. Poseedor de un gran sentido y talento líricos, descubrió nuevos terrenos en la armonía. Su padre era un maestro francés que trabajó para una familia noble en Polonia y su madre una noble polaca. Mostró dotes para la música desde niño, especialmente como pianista, instrumento que luego estudiaría con Elsner. En París se encuentra con Boccherini, quien lo introdujo en la sociedad francesa. Tuvo un agitado romance con la escritora que firmaba con el seudónimo George Sand.

A pesar de residir desde los 20 años en Francia, su corazón patriota afecta su arte, que refleja la música popular polaca, una primera muestra del ingreso de otros pueblos a la historia de la música. Su abundante obra está absolutamente dedicada al piano, y marcó una decisiva influencia en la literatura universal para piano.

Ludwig van Beethoven (1770-1827) fue un compositor, director de orquesta y pianista alemán. Su legado musical abarca, cronológicamente, desde el período clásico hasta inicios del romanticismo musical. Es uno de los compositores más importantes de la historia de la música y su legado ha influido de forma decisiva en la música posterior.

Considerado el último gran representante del clasicismo vienés (después de Christoph Willibald Gluck, Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart), Beethoven consiguió hacer trascender la música del romanticismo, influyendo en diversidad de obras musicales del siglo XIX. Su arte se expresó en numerosos géneros y aunque las sinfonías fueron la fuente principal de su popularidad internacional, su impacto resultó ser principalmente significativo en sus obras para piano y música de cámara.

Su producción incluye los géneros pianísticos (treinta y dos sonatas para piano), de cámara (dieciséis cuartetos de cuerda, siete tríos, diez sonatas para violín y piano), vocal (lieder, dos misas y una ópera: Fidelio), concertante (cinco conciertos para piano y orquesta, uno para violín y orquesta) y orquestal (nueve sinfonías, oberturas, etc.), entre las que se encuentra el ciclo de las Nueve sinfonías, incluyendo la Tercera sinfonía, también llamada en castellano Heroica,3 en mi♭ mayor, la Quinta sinfonía, en do menor y la Novena sinfonía, en re menor (cuyo cuarto movimiento está basado en la Oda a la Alegría, escrita por Friedrich von Schiller en 1785).

unidad 1

quiero enseñarles un poco de la familia de los instrumentos musicales; a diferenciarlos, clasificarlos y conocerlos.

empecemos con que cada familia de instrumentos tiene su nombre respectivo y su característica, 
y son: - instrumentos de cuerda (pulsada y frotada)
           - instrumentos de madera.
           - instrumentos de percusión.
           - instrumentos de metal.

-instrumentos de cuerda pulsada.
 son aquellos instrumentos de cuerda en los que la cuerda vibra tras ser pulsada o punteada por los dedos, produciendo el sonido. Además de los dedos, también se puede utilizar un plectro o plumilla, el mejor ejemplo que puedo dar para estos instrumentos es la guitarra, claro que también hay muchos mas como el laúd, bandola, balalaika, arpa e incluso el bajo, etc.

-instrumentos de cuerda frotada.
las cuerdas se ponen en vibración al ser frotadas con un arco, que es una varilla de madera flexible y ligeramente curva, con crines de un extremo a otro cuya tensión puede regularse. Las cuerdas están dispuestas sobre una caja de resonancia provista de orificios.
A continuación se enumeran los instrumentos musicales pertenecientes a este grupo, de acuerdo con el tamaño de la caja, de menor a mayor: violín, viola, contrabajo, violonchelo.

Todos estos instrumentos están dotados de una gran sensibilidad, pudiendo producir los más delicados matices de timbres y volumen.

nota: hay otro grupo de instrumentos de cuerda que son los de cuerda percutida, su mayor ejemplo es el piano.

-instrumentos de madera.
la vibración del aire dentro del tubo que conforma el cuerpo del instrumento produce el sonido. La longitud del tubo determina la altura del sonido. Aunque agrupados en el grupo de maderas, en la actualidad algunos de estos instrumentos se construyen en metal. Esto se debe a que el nombre les fue dado a la mayoría cuando aún eran fabricados de madera. No obstante, se siguen clasificando dentro de las maderas por su timbre y su sonido característico. Todos tienen una serie de agujeros taladrados a lo largo del tubo, aunque algunos se cubren o destapan mediante una serie de mecanismos a los que se denominan llaves. Los instrumentos de viento-madera tienen un sonido suave, melodioso y profundo.

Hay dos formas de producir el sonido en los instrumentos de viento-madera: soplar a través de un agujero, tal como se sopla a través de la boca de una botella, como ocurre con los instrumentos que se incluyen dentro de la familia de las flautas, o soplar a través de una caña en forma de lengüeta, como ocurre en los instrumentos que se incluyen dentro de la familia de los oboes, los clarinetes, los saxofones y los fagotes.
rangos de los instrumentos de madera.

-instrumentos de metal.
son instrumentos musicales de viento compuestos por un tubo de metal(generalmente latón), que puede estar doblado o recto, una boquilla y una campana en el extremo opuesto a la boquilla. Aunque estos instrumentos están fabricados en metal, la mayoría de ellos tienen antecesores tomados de la naturaleza, como las caracolas, ramas huecas o cuernos de animales.
Dentro la familia de los instrumentos de viento metal existen dos grupos: los instrumentos de taladro cónico y los de taladro cilíndrico. En los primeros, el conducto del aire se ensancha gradualmente desde la embocadura hasta la campana. Estos instrumentos tienen sus antecesores en las caracolas marinas y los cuernos de los animales. Ejemplo de ellos es el shofár, un instrumento judío fabricado con el cuerno de un carnero y que aún es usado en las sinagogas. De los instrumentos modernos utilizados, la trompa, la tuba, el clarín y el fliscorno son sus principales representantes.
En los instrumentos de taladro cilíndrico, el conducto no se ensancha más que en el tudel del principio hasta unos centímetros antes de llegar a la campana y todos los tubos centrales que componen las bombas y los pasos entre los pistones son cilíndricos.
Tienen sus orígenes en conductos sonoros fabricados en madera, bambú o caña que estaban provistos de una embocadura gruesa y abultada con un cuerpo de animal a modo de pabellón. Como representantes modernos de estos instrumentos destacan la trompeta y el trombón. En cualquier caso, los instrumentos actuales de los dos grupos no son cónicos o cilíndricos por completo.

-instrumentos de percusión.
es un tipo de instrumento musical cuyo sonido se origina al ser golpeado o agitado. Es, quizá, la forma más antigua de instrumento musical.
La percusión se distingue por la variedad de timbres que es capaz de producir y por su facilidad de adaptación con otros instrumentos musicales. Cabe destacar que puede obtenerse una gran variedad de sonidos según las baquetas o mazos que se usan para golpear algunos de los instrumentos de percusión.
Un instrumento de percusión puede ser usado para crear patrones de ritmos (batería, tam-tam entre otros) o bien para emitir notas musicales (xilófono). Suele acompañar a otros con el fin de crear y mantener el ritmo. Unos de los instrumentos de percusión más famosos son el tambor y la batería ( tambor en Inglés "drum" ).

en este blog vamos a aprender lo mas básico de la música, pasando por instrumentos, compositores importantes y un poco de lectura en pentagrama.

espero les sirva para sus estudios en iniciación de la música.